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Mine Vaganti

controcanto — Mon, 22 Mar 2010 21:43:30 +0000

Mine Vaganti di Ferzan Ozpetek è un intreccio tra diversità nascoste, sogni soffocati, amori non vissuti e gesti eroici. Fughe. Nel tentativo esasperato di vivere almeno una parte di sè. Diversi siamo tutti, non nascondersi è l’unico modo per essere felici. Le necessità della vita possono spingerci a vivere la vita degli altri talvolta per non addolorare, per non tradire, ma forse in ultima istanza per paura. Mai farsi comandare nè dominare dalla paura dell’ignoto, dalla paura di perdere quello che a fatica abbiamo conquistato, dal timore di essere abbandonati e non più riconosciuti dagli unici che per te contano, ai quali devi la vita, gli stessi che a volte determinano la tua morte sociale. Per Ferzan Ozpetek questo è il film della maturità. Ozpetek ha oggi una visione dell’esistenza più variegata che nei precedenti film, non più bianco e nero, uomo donna, omosessuale eterosessuale, ma al centro la persona reale attratta dalle varietà dell’essere. Il protagonista ama uomo e donna, entrambi lo completano. Ama i contrasti, i colori pastello e al contempo i colori tenui, comprende e vive l’epoca della decisione e quella dell’oblio.

Al centro il coraggio di vivere.

Patrizia Genovesi

Filmografia.

Ferzan Ozpetek Mine Vaganti

Ferzan Ozpetek Un giorno Perfetto

Ferzan Ozpetek Saturno Contro

Ferzan Ozpetek Cuore Sacro

Ferzan Ozpetek La Finestra di fronte

Ferzan Ozpetek Le Fate ignoranti

Articolo da: Artoong

Mine Vaganti

CINEMADAMARE

controcanto — Thu, 18 Mar 2010 11:23:49 +0000

Roma, 18 marzo – Casa dell’architettura.

Si parla di Cinema con la splendida inziativa di Franco Rina che rinnova la sua edizione di Cinemadamare. Un progetto italiano di respiro internazionale che incoraggia il cinema giovanile interraziale rompendo schemi e meccanismi che non hanno ragione di essere. Presenti numerosissimi rappresentanti delle ambasciate straniere a Roma. Presenti rappresentati delle istituzioni che con entusiasmo promettono nuovo respiro all’attività cinematografica, al mondo giovanile e soprattutto un sostegno alle idee che nascono anche dai non addetti ai lavori che si vogliono sperimentare in questo campo. Le storie sono di tutti.

Interventi

Addetti culturali delle varie Ambasciate
Sottosegretario ai Beni Culturali con delega al Cinema, dottor Francesco Giro
Assessore alla cultura del comune di Roma, Dottor Umberto Croppi
Assessore alla cultura della Regione Lazio, Dottoressa Giulia Rodano
Membro di Eurimages, Dottor Claudio Sorrentino
Amministratore delegato di Cinecittà Luce, Avv. Luciano Sovena
Ricercatore-Università Salerno, professore Giuseppe Festa
Direttore Generale Roma Lazio Film Commission, Dott.ssa Cristina Priarone
Presidente della Fondazione “R. Rossellini per il Cinema e la Televisione”, Dott. Francesco Gesualdi

Patrizia Genovesi

Articolo da: Artoong

CINEMADAMARE

Soul kitchen di Fatih Akin

controcanto — Wed, 17 Feb 2010 22:34:24 +0000

Un’ampia caratterizzazione psicologica, emotiva e culturale dei personaggi, un intreccio con snodi e progressi all’interno di una storia che, dipanandosi, acquisisce ritmo e fisicità: questo è “Soul kitchen”.

La storia dello sviluppo del gusto coincide con la manifestazione dell’anima.

Dall’individuo singolo, isolato, all’amicizia e all’incontro.

Dal cibo ingurgitato casualmente, alla cognizione del sapore.

Dalla solitudine alla relazione, all’espressione dei sentimenti,al perdono.

Dal subire gli eventi alla scelta della propria vita.

Dalla casualità al nesso.

Un big bang che supera l’entropia e imprime una direzione alle vicende individuali caricandole di significati sempre più intimi e sofisticati, acuendo nei personaggi i sensi , coinvolgendo la sessualità, la passione per il ritmo e per la musica.

Dal proto uomo insomma, alla nascità dell’individuo come singolo prima e, successivamente, come essere capace di relazioni significative e gratificanti.

E poi il sogno. Di Fatih Akin.

Volete sapere la trama? Andate e vedete…

Patrizia Genovesi

Articolo da: Artoong

Soul kitchen di Fatih Akin

Il concerto – di Radu Mihaileanu

controcanto — Wed, 10 Feb 2010 12:54:08 +0000

La vita è il sogno di un’armonia che si rivela. La magia dell’istante nel quale terra e cielo si incontrano.

Perchè questo succeda occorre il talento di un artista visionario, che riesca ad avere una percezione del possibile, non del futuro, ma del possibile.

Occorre colui che riveli la potenza dell’arte, che indichi la meta, che raccolga le forze dei singoli e li infiammi. Un artista presuntuoso e fragile, ostinato nel perseguire l’improbabile, a tratti temerario, bisognoso di vette e di abissi. Il miracolo lo compiono gli uomini quando anche per pochi istanti operano all’altezza di se stessi. Così è il protagonista del film, un direttore d’orchestra costretto a scontare la sua fedeltà alla musica contro le ragioni del partito e subire per questo l’eslcusione dalla sua orchestra di elementi ebrei e subire ancora l’ esilio dal proprio cuore, rinchiuso in altre pelli, lontano dalla sua arte. I musicisti verranno raccolti dopo anni sulla via dell’ oblio grazie all’opportunità colta dall’ostinato sognatore, per essere, anche se per un solo concerto, la vera orchestra interprete della meraviglia di Čajkovskij.

Radu Mihaileanu è un regista di grande talento, un funambolo della magia del quotidiano. Ha numerosi capolavori all’attivo: “Train de vie” tra i miei preferiti. Film che si ricordano, che ti cambiano la vita lasciandoti la dolcezza del possibile e il desiderio di volare più in alto di quanto normalmente permettiamo a noi stessi.

Patrizia Genovesi

Articolo da: Artoong

Il concerto – di Radu Mihaileanu

Uomini che odiano le donne

Artoong — Fri, 12 Jun 2009 16:00:38 +0000

«La Millennium Trilogy sta diventando un’opera di culto grazie a un passaparola fervido quanto efficace. Relazioni amorose, conflitti professionali, suspense da mozzare il fiato: entrate nel mondo di Larsson e non vorrete più uscirne!» Le Nouvel Observateur

La trama
Quarant’anni fa Harriet Vanger scompare da una riunione di famiglia sull’isola abitata dalla potente potente famiglia Vanger. Benché il corpo della donna non sia mai stato ritrovato, lo zio Henrik Vanger è convinto che sia stata assassinata e che l’autore del delitto sia un membro della sua stessa. Per indagare sull’accaduto, Vanger assume il giornalista economico in crisi Mikael Blomkvist e la hacker Lisbeth Salander. Dopo aver collegato la scomparsa di Harriet a una serie di grotteschi delitti avvenuti una quarantina d’anni prima, i due investigatori cominciano a dipanare una storia familiare oscura e sconvolgente. Ma gli altri componenti della famiglia Vanger sono gelosi dei loro segreti, e Blomkvist e Salander scopriranno di cosa siano capaci per difenderli.

Il film
Non era facile portare sullo schermo “Uomini che odiano le donne” . Bisognava correre un rischio che c’è sempre quando si parte da un romanzo per di più di successo, affrontare i lettori, non deluderli. Non so dire se Niels Arden Oplen c’è riuscito. Il film si vede e se hai letto il libro sei da un lato aiutato ma dall’altro ti aspetti qualcosa anche se non ne sei pienamente consapevole.
Io credo che in questo caso leggere il libro sia la cosa più importante e non so se il film invoglia a leggerlo, da questo punto di vista il film perde di spessore e di fascino rispetto al romanzo.
Un primo invito quindi che faccio a chi è interessato dal titolo, dal genere o dal successo che il romanzo ha avuto è di leggere il libro.
Senza aver letto il libro si perde qualcosa. Sicuramente si perde molto di uno dei personaggi principali Mikael Blomkvist.
C’è comunque un trucco, ci saranno altri due film, come ci sono tre libri, la serie di Stieg Larsson si compone infatti di tre titoli: Uomini che odiano le donne, La ragazza che giocava con il fuoco e La regina dei castelli di carta.
Tre dunque alla fine saranno anche i film. Questo va detto perché nel film ci sono cenni che rimandano sicuramente al secondo libro: La ragazza che giocava con il fuoco. Nel libro questo non c’è, anche se le storie sono collegate e in sequenza.
Il personaggio più riuscito è sicuramente Lisbeth Salander, misteriosa, intrigante, affascinante, inquietante e super intelligente; una donna, una persona al di fuori degli schemi e delle regole, una donna sicura di sé, una persona che si assume le responsabilità di se stessa e delle sue azioni.
Mi sono chiesto, anche vedendo il film, cos’è che ha determinato il clamoroso successo di questa trilogia (dieci milioni di libri venduti)? Il genere? Il titolo? Sicuramente c’è un aspetto che il titolo del primo romanzo sottolinea e che ossessiona la mente di Lisbeth Salander l’odio sviscerato e crudele che alcuni uomini nutrono per le donne. E’ un odio antico, profondo, che giustifica le loro azioni più abiette. E’ un odio che si trova ovunque nella società e nelle famiglie e che si annida nelle menti di alcuni uomini, uomini convinti di una superiorità che giustifica la violenza nei confronti delle donne.
Un odio che Lisbeth Salander conosce e contrasta con la stessa ferocia, credo che pochi riuscirebbero a farlo bene come lei.
Insomma film che si può vedere, ma a mio avviso, solo dopo aver letto il libro.

REGIA: Niels Arden Oplev
SCENEGGIATURA: Nicolaj Arcel, Rasmus Heisterberg
ATTORI: Michael Nyqvist, Noomi Rapace, Lena Endre, Sven Bertil Taube, Peter Haber, Peter Andersson, Marika Lagercrantz, Ingvar Hirdwall, Björn Granath, Ewa Fröling, Per Oscarsson, Michalis Koutsogiannakis, Annika Hallin, David Dencik, Gunnel Lindblom, Georgi Staykov, Sofia Ledarp, Thomas Köhler, Stefan Sauk, Gösta Bredefeldt

Sito del Film in Italiano

Stieg Larsson (1954), giornalista svedese, fondatore di EXPO, esperto di organizzazioni di estrema destra e neonaziste, ex consulente di Scotland Yard, è morto improvvisamente nel 2004, quando aveva appena concluso la sua trilogia poliziesca. Uomini che odiano le donne, primo episodio, ha vinto il Glass Key, il premio dell’Accademia svedese del Poliziesco e il premio dei librai svedesi come miglior libro dell’anno. La trilogia ha già venduto dieci milioni di copie in tutto il mondo.

Antonio Trimarco

Articolo da: Artoong

Uomini che odiano le donne

Il Soffio della terra

Artoong — Thu, 07 May 2009 08:49:29 +0000

Titolo: Il soffio della terra

Regia: Stefano Russo
Cast: Fabio De Caro, Enrico Ianniello
Fotografia: Rocco Marra
Musiche originali: Pasquale Catalano
Produzione: Davide Contessa, Marisa Evangelista

E’ la storia di una scelta, della scelta.

Parteciperà ai più importanti Festival internazionali il nuovo cortometraggio di Stefano Russo Il Soffio della terra, proiettato in questi mesi secondo la modalità partecipativa del cinedibattito, voluta dallo stesso regista al fine di stimolare, attraverso il film, una discussione collettiva su una tematica importante come quella del fine vita.

Le proiezioni di Napoli (Marabù Club, 1 marzo) e Roma (Caffè letterario, 28 marzo) hanno contato sulla significativa presenza, oltre che di associazioni impegnate sul fronte dei diritti civili, come l’Associazione Luca Coscioni e Certi Diritti, di un pubblico attento e ricettivo, desideroso di comprendere e confrontarsi su un tema di dolorosa attualità che costringe le coscienze sopite a porsi degli interrogativi.

Paura fondante e naturale dell’uomo, passaggio obbligato e momento finale di una parabola terrena, la morte sembra diventare sempre più estranea alla nostra società che riflette il messaggio dell’invincibilità dell’uomo contemporaneo che attraverso il progresso e la tecnologia si illude di esercitare un pieno controllo sulla natura. La morte ci fa paura, cerchiamo di estrometterla dalle nostre vite, di negarla fino a non sentirla più come un accadimento naturale, eppure è quotidianamente sotto i nostri occhi a ricordarci che non siamo né invincibili né immortali.

Trascurando le considerazioni di ordine etico su un argomento tanto sentito quanto controverso, vorrei soffermarmi esclusivamente sul cortometraggio, quel ganglio artistico in cui la narrazione (la storia in sé) e il narrare (i modi della narrazione) si coniugano attraverso il ricco linguaggio cinematografico. Il mio intervento si pone, quindi, dalla parte della storia narrata solo per suggerire alcune riflessioni sulla dolorosa poesia che scaturisce dal racconto di Stefano Russo e sull’immaginario e i simboli che esso richiama.

Il Soffio della terra narra per immagini la vita e la morte, l’uomo e la natura. Tra frasi sussurrate, suggestioni animistiche e sfumature panteistiche affiora un percorso di vita, una storia fra tante con un finale fra quelli possibili.

Nicola vive in ospedale da anni a causa di una malattia degenerativa che lo costringe a letto e ad un respiratore artificiale. La quotidianità ospedaliera, ricca, nonostante tutto, di relazioni umane e affetti, viene improvvisamente interrotta da un circostanza scatenante che muoverà gli avvenimenti e farà procedere l’azione: l’arrivo di un respiratore portatile.

Ora che ne ha la possibilità Nicola chiede al suo medico e amico Daniele di aiutarlo a realizzare un desiderio: rivedere il mare. La narrazione subisce un’accelerazione e si dirige in tutt’altra direzione, verso una scelta radicale dalla quale il protagonista non vorrà e potrà tornare più indietro.

La struttura binaria della storia permette di isolare due momenti narrativi del corto: in una corrispondenza speculare, pervasa da un sentimento quasi panistico della natura, si contrappongono spazi chiusi e spazi aperti che riflettono le contrapposte categorie di Artificiale/Naturale che, a loro volta, si declinano in due pragmatiche alternative: vita artificiale/morte naturale:

Spazi chiusi/Spazi aperti

Vita Artificiale/Morte naturale

Scienza/Natura

L’ospedale (scienza) e la terra (natura) rappresentano l’incipit e il climax di un filo diegetico in cui le ambientazioni sceniche sono semanticamente funzionali alla comprensione del sottotesto. Le scene girate negli interni raccontano di una vita condizionata, legata artificialmente ad una macchina: una non vita.

Le scene girate in esterna raccontano di un viaggio in una natura viva, a volte prepotente e cruenta, una natura che contempla la morte come congenita e che proprio per questo riflette il ciclo della vita nella sua interezza.

La fotografia e le musiche assecondano in maniera connotativa la dualità del registro narrativo. Il riverbero dell’atmosfera fredda e azzurrina dell’ospedale si contrappone ai colori vividi e brillanti della natura; la poesia si sprigiona dal basso verso l’alto, dalla terra fino al cielo, in un vortice di verde, foglie, brezza.

Le musiche originali di Pasquale Catalano accompagnano con vibrante espressività questa immersione nella natura: esse riproducono la disarmonia tra il respiro umano e quello della terra, l’orecchio avverte due ritmi distinti, due echi che si rincorrono e si sovrappongono. Sono i due battiti, quello della natura e quello dell’uomo.

Lo spettatore percepisce che Nicola è come attirato e guidato verso una meta: il mare, forse! Non sappiamo se il paesaggio marino anelato dal protagonista sia un ricordo, un desiderio, un sogno; sicuramente è un paesaggio della coscienza necessario da raggiungere per sciogliere i nodi della propria esistenza, un luogo dell’anima che si conquista solo a contatto con la natura.

Forse Nicola ha già deciso quando i suoi occhi stanchi si posano sulla porta dell’ospedale che sbattendo lascia intravedere un altro mondo o, quando, in macchina vuole sentire l’aria sul viso nel tentativo di ingoiare il vento e sovrapporlo al suo tenue respiro.

Il rapporto medico/paziente subisce una trasformazione durante il viaggio verso il mare. Si divarica per sempre lo stato d’animo dei due protagonisti: mentre il medico vive con entusiasmo le potenzialità del nuovo apparecchio di ventilazione che permetterà al suo paziente/amico di vivere una vita più completa e dignitosa, Nicola, intento a raggiungere il suo obiettivo, si distacca sempre più dalla contingenza.

La rottura è totale, il crescendo di rabbia di Daniele nell’intuire le vere intenzioni dell’amico, si contrappone alla quieta fermezza di Nicola oramai totalmente rivolto a quella terra che sente appartenergli più che il respiratore artificiale. Il ritorno verso la natura è un viaggio verso se stessi e in quanto tale è difficoltoso: la terra nuda è dura, pesante, umida, la carrozzina di Nicola arranca sul soffice e spesso tappeto di foglie che rallenta la sua corsa permettendogli di ancorare i suoi pensieri in maniera risolutiva.

Il corto vuole raccontare uno dei possibili percorsi che portano ad una scelta e lo fa piegandosi, secondo le direttive del regista che non si schiera ma racconta, su una curva narrativa poetica ma mai, assolutamente, patetica. La rappresentazione narrativa della scelta passa attraverso l’immagine del confine tra vita e non vita, un confine talmente sottile che copre la distanza di un respiro.

Il regista lascia parlare le immagini delegando ad esse parte della funzione narrativa. Ariose e generose inquadrature si contrappongono a primi piani tesi a indagare più a fondo l’animo dei protagonisti delle cui vite sappiamo molto poco.

Non c’è accanimento e morbosità nella costruzione dei personaggi: poche e decise pennellate delineano i caratteri dei protagonisti con un distacco funzionale ad evitare una immedesimazione epidermica da parte dello spettatore che è costretto a cercare, dentro di sé, un riscontro oggettivo di quanto vede messo in scena.

Il talentuoso Enrico Iannello recita nella parte del medico, personaggio fortemente combattuto tra l’entusiasmo professionale ed una consapevole ed empatica comprensione dei tormenti dell’amico.

Convincente la performance del bravo attore napoletano Fabio de Caro nelle vesti del protagonista che regala un’interpretazione intensa in cui la gestualità, gli sguardi e la fisicità reggono ad arte la rappresentazione di una sofferenza fisica e di uno stato d’animo specchio di una coscienza combattuta. I dialoghi brevi, incisivi, con sfumature sospese di poesia aprono gli spazi necessari alla riflessione dello spettatore.

Le suggestioni etimologiche suggerite dal titolo del cortometraggio, acuiscono il senso poetico di una visione dell’esistenza che, al di là della mera biologia, si diluisce nello spirito dell’universo.

Il soffio richiama alla mente un immaginario polisemantico e ancestrale: il soffio fisiologico della natura, il vento, l’aria (dal greco anemos) da un lato e il respiro biologico dell’uomo dall’altro.

Ma ancora, anemos nella versione latinizzata, il corradicale animus, è andato a indicare la razionalità e l’emotività dell’interiorità umana fino ad acquistare definitivamente, con il diffondersi del cristianesimo, l’accezione di parte spirituale e immortale dell’uomo.

Il soffio è respiro e anima, è vita che permea l’uomo e la natura, è poesia dell’universo.

E se, fra crocicchi etimologici un po’fumosi e digressioni irrorate da un afflato animistico, i pensieri si inarcano distaccandosi dalla prosaicità letteraria e contingente del film, non importa, l’arte fa anche questo, donarci la possibilità di divagare con la mente inseguendo allitterazioni emotive e cognitive.

E’ ora di lasciare Nicola al suo viaggio di ritorno alla natura, a contatto con quella terra di cui vuole sentire il battito e alla quale ha deciso di regalare quel soffio vitale che, secondo una concezione antica, viene espirato fuori al momento della morte.

Nicola si perde nell’anima della natura, il “soffio” artificiale del respiratore lascia il posto al “soffio” di una terra che lo abbraccerà e che respirerà per lui e con lui oramai per sempre.

Jessica Carrieri

Trailer

Articolo da: Artoong

Il Soffio della terra

Questione di cuore

Artoong — Fri, 24 Apr 2009 08:00:52 +0000

Una storia di cuori e di amicizia. Alberto è uno sceneggiatore, un intellettuale in piena crisi di creatività e di sentimenti, esistenziale, si sente spaesato, senza paese, gli rimanda il suo psicanalista. Angelo sembra più solido, concreto, carrozziere e artigiano, sistema e rinnova auto come la vecchia 500, l’alfa degli anni 70-80, insomma uno che con le mani ci sa fare. Angelo è sposato, due figli adolescenti e uno in arrivo, Alberto convive ma non si trova più nè a casa nè con la sua compagna.
Poi una sera si ritrovano entrambi al pronto soccorso, rianimazione, entrambi con infarto in corso. E lì nelle corsie dell’ospedale insieme alla paura di morire, scoprono un sentimento di amicizia che li lega. Nonostante le loro profonde diversità si trovano, si sentono, diventano amici.
Tornando a casa però i problemi sono ad aspettarli. Alberto sempre più scopre che non sta più bene con la compagna, Angelo riprende la sua quotidianità, ma il cuore non va, ha perso il padre di infarto e l’ha visto morire, lì nella carrozzeria, aveva più o meno la sua età 42 anni e questa immagine in qualche modo lo perseguita.
Si rincontrano al Quarticciolo e Alberto chiede ad Angelo di farlo lavorare con lui. Angelo farà anche di più, lo adotterà, gli offrirà una stanza nella sua casa e così in qualche modo Alberto “ritrova” una famiglia.
Il resto è da vedere non si può svelare: Un film intenso, attuale e originale, la storia di un amicizia tra due uomini tanto diversi, un’amicizia che aiuterà entrambi in un momento molto difficile della loro vita. Intense le interpretazioni sia di Kim Rossi Stuart che di Antonio Albanese, brave anche la moglie di Angelo, Micaela Ramazzotti e la compagna di Alberto, Francesca Inaudi. Film da vedere.

Antonio Trimarco

Articolo da: Artoong

Questione di cuore

Vuoti a rendere (Vratné lahve)

Artoong — Tue, 17 Feb 2009 22:42:25 +0000

Ci si può riconvertire anche in età più che matura e scegliere di vivere ancora cercando la felicità? Il protagonista di Vuoti a rendere, Josef, professore di Letteratura ci prova con tutte le forze e ci riesce.

E così in questo simpatico film, divertente, leggero, ma anche serio ed impegnato, il professor Josef ci fa vedere come conti la vitalità interiore. In brillante contatto anche con il suo inconscio Josef decide, perché non ne può più, di lasciare la scuola, ma questo non significa abbracciare rassegnati la pensione, anzi. E dopo un breve impegno come corriere in bicicletta, troverà occupazione in un supermercato dove riceve i vuoti delle bottiglie.

Sullo sfondo di una Praga attuale ecco che emergono storie parallele a quella del professore, la figlia, lasciata dal marito, la moglie che vorrebbe ancora essere desiderata, l’amante che lo sostituirà rapidamente con un lui che lo stesso Josef le invia, i nuovi colleghi di lavoro, l’amico insegnante che ama la figlia, la vecchia signora a cui Josef porta la spesa.

In una giravolta di umanità che ti fa scoprire una vita sempre diversa da quello che ti aspettavi, temevi o volevi. Un bel film da vedere.

REGIA: Jan Sverak
SCENEGGIATURA: Zdenek Sverak
ATTORI: Zdenek Sverak, Daniela Kolarova, Tatiana Vilhelmova, Robin Soudek, Jiri Machacek, Pavel Landovsky, Jan Budar, Miroslav Taborsky

Antonio Trimarco

Articolo da: Artoong

Vuoti a rendere (Vratné lahve)

Revolutionary Road

Artoong — Mon, 09 Feb 2009 14:16:05 +0000

di Antonio Trimarco

Locandina del film Revolutionary Road

Un film triste, a tratti claustrofobico, da vedere. Un uomo e una donna, Frank e April, si confrontano senza incontrarsi nonostante il loro amore.

Le regole sociali e l’incomunicabilità diventano così il limite di una vita e di una relazione.

Illuminanti le riprese nelle stazioni degli uomini, tutti identici nei loro abiti, tutti con i loro visi tristi mentre vanno o tornano dal lavoro. Lo scontro tra April (Winslet) e Frank (Di Caprio) si apre dopo una deludente serata di lei come attrice, lei non vorrebbe parlare, ma lui la travolge ed è scontro fra le loro verità.

Poi toccherà a lui sentire il peso di un lavoro che è costretto a fare per vivere e in un giorno uguale a tanti arriva un po’ di sesso con una collega, come rimedio sintomatico alla tristezza di una vita che sembra ormai senza scopo, se non la ripetizione continua dei giorni che passano.

La moglie propone una soluzione tra il drastico e il fantastico, un trasferimento a Parigi, lei avrà un lavoro che gli consentirà di “mantenere” anche lui.

Sembra una svolta possibile e per un attimo i due si ritrovano, ma poi arriva un’altra opportunità e le cose si complicano.

Così lentamente ma inesorabilmente la relazione tra loro si tinge di lontananza e rabbia e l’amore muta in solitudine reciproca e dramma e lo scontro diventa anche di genere quando April scopre nel suo ruolo di moglie e madre una corazza sociale che diventa camicia di forza.

Ambientato negli anni 50 negli Stati Uniti il film è tratto dal libro Revolutionary Road di Richard Yates.

Un film di Sam Mendes. Con Kate Winslet, Leonardo DiCaprio, Kathryn Hahn, David Harbour, Ryan Simpkins. Drammatico, durata 119 min. – USA, Gran Bretagna 2008. – Universal Pictures

Articolo da: Artoong

Revolutionary Road

Libera Università del Cinema – Corti di fine anno

Artoong — Wed, 14 May 2008 08:29:05 +0000

Il 15 maggio alle ore 17 alla Casa del Cinema di Roma in Piazza Mastroianni 1, la Libera Università del Cinema di Roma proietta al mondo dello spettacolo i corti degli allievi dell’anno 2007. Bud Spencer, Emanuele Crialese, Michele Placido, Mario Monicelli, Maurizio Ponzi, Monica Scattini, Ivana Monti, Calisto Cosulich, Milena Vukotick, Gigi Angiolillo e tantissimi atlri personaggi noti del mondo del cinema giudicheranno i lavori dei neo registi per promuovere nuove forze creative.

Articolo da: Artoong

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